Frida Kahlo

Su verdadero nombre es Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, nació en Coyoacán, México el dia 6 de Julio de 1907. Frida era una de las cuatro hijas de un padre judío-húngaro y una madre de ascendencia indígena-mexicana. 

Originalmente no planeaba el convertirse en una artista, Frida Kahlo empezó un programa de pre-medicina en la ciudad de México. A la edad de 18, sufrió graves heridas en un accidente de autobús. Paso alrededor de un año en la cama, recuperándose de roturas en su columna vertebral, hombros, costillas, pelvis y en los pies. Sufrió más de 30 operaciones a lo largo de su vida y durante su recuperacion empezó a pintar. 

Sus pinturas, principalmente autorretratos y naturalezas muertas, eran ingenuas y llenas de colores y formas inspiradas en arte mexicano. Cuando tenía 22 años, se casó con el muralista mexicano Diego Rivera, quien era 20 años mayor que ella. Esta relación sobrevivió infidelidades (hasta con la hermana de Frida), la presión de sus carreras, el divorcio, una segunda boda, los asuntos amorosos lésbicos de Frida, su mala salud y su incapacidad de tener niños. "Sufrí dos graves accidentes en mi vida….Uno en el cual un tranvía me arrolló y el segundo fue Diego". El accidente de tranvía la dejó invalida físicamente y Rivera la dejó invalida emocionalmente.

Durante su vida, Frida creó unas 200 pinturas y dibujos todos relacionados con las experiencias de su vida, dolor físico y emocional y de su relación con Diego. Ella pintó 143 pinturas, 55 de las cuales son autorretratos. Cuando le preguntaban porque pintaba tantos autorretratos, Frida contestaba: "Porque estoy sola tan a menudo, porque soy la persona que conozco mejor".

Ambos, Frida y Diego eran muy activos en el Partido Comunista en México. A principios de Julio de 1954, Frida hizo su ultima aparición pública, cuando participó en una manifestación comunista. Poco después, el 13 de Julio de 1954, a la edad de 47 años, Frida falleció.

Una vez, cuando le preguntaron sus disposiciones funerarias, Frida replicó: "Cuando muera quemen mi cuerpo…No quiero ser enterrada. He pasado mucho tiempo acostada. ¡Simplemente quemenlo!" 

Monet

Su nombre completo es Claude Oscar Monet. Nació en la ciudad de París en al ano 1840 y falleció en Giverny en 1926. Fue un pintor francés, uno de los maximos exponentes del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron de aquel lazo que tenia con Boudin y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia, las cuales orientaron el desarrollo de su pintura.

Monet se ofreció para el servicio militar en Argelia, luego de esto, regresó a París, donde conoce a jóvenes artistas como Renoir, Paul Cézanne y Degas.
La primera obra de Monet fue “La costa de Sainte-Adresse”, la cual le recuerda a su iniciador, Eugène Boudin quien fue uno de los primeros paisajistas franceses en pintar al aire libre. Mas tarde empieza a adquirir mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas mas complejos.

También se puede ver el mismo cambió en la obra “Mujeres en el jardín” en donde aparecen tres mujeres divirtiéndose en el campo bajo un sol muy intenso que hace ver en sus vestidos el blanco en estado de gran pureza. Con esta obra, Monet se aleja de lo tradicional que hasta entonces se dio al retrato, el de su primera mujer: Camile, y se inclina por la naturaleza y sus formas.










Monet pasa por momentos dificiles al tener su primer hijo Jean, ya que se veia en una crisis económica. A el pintor francés y su familia les toco vivir una época de hambre y pobreza extrema. Mas tarde, en Inglaterra, Monet conoció a Pissarro y Turnet que vienen a ser de gran influencia en cuanto la percepción del color y la luz.

Un lugar que tuvo mucha importancia en algunas obras de Monet fue el estanque de Argenteuil. Se convirtió en su lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. Incluso, hay una obra llamada “Monet trabajando en su barco en Argenteuil”. En la obra se puede ver como el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los efectos luminosos de este mismo. 

Otra obra muy importante de Monet es “Impresión, sol naciente” donde la luz del amanecer y sus reflejos sobre el agua son impresionantes. Numerosas pinceladas se incorporan en un solo color general neutro, captando el instante del amanecer y los reflejos del sol rojizo sobre el agua.


A medida que va pasando el tiempo, la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la euforia se transforman en insatisfacción y melancolía.

El ejemplo perfecto es la catedral de Ruán, en la que se evidencia, de un modo poético y didáctico, cómo las variaciones de la luz alteran la percepción del medio que transmite esa energía. Durante los últimos treinta años de su vida, el artista trabajó en torno a su jardín, en un prado vacío por el que pasaba un pequeño arroyo construyó. Tenemos a obras como “El estanque de las ninfeas” y “El puente japonés”.

La Primavera

Pintor: Sandro Botticelli

Dimensiones: 203 cm de alto por 314 cm de ancho

Tecnica: temple sobre tabla

Ano: 1477-78

Causa del encargo: se dice que fue el matrimonio entre Lorenzo di Pierfrancesco de Médici y Semiramide Appiani

Esta obra contiene una interpertración simbólica, mitológica y filosofica. La Primavera representa a los dioses clásicos celebrando un rito de primavera alejándose así de la pintura religiosa. 

  
A continuacion, les explicare una interpretación clásica que describe las figuras del cuadro empezando desde la parte izquierda: 

Mercurio

- presenta una actitud de mirar hacía el cielo, que se interpreta como una unión con el más allá

- esta vestido con un manto rojo que cae de forma asimétrica.

Las tres Gracias 

- tres jóvenes casi desnudas 

- lucen elaborados peinados

- son las servidoras de Venus
  

Cupido

- figura central de la obra

- se dedica a lanzar sus pequeños dardos hacía una de las tres Gracias. 

  
Venus 

- es eje a la composición

- se muestra representada como una Madonna

- aparece enfundada en un vestido y un manto 

- centro físico del cuadro y también el centro moral

- representada como la creadora de la Naturaleza

Flora

- única figura del grupo que mira al observador

- tiene la intención de esparcir sus flores más allá de la escena meramente representada. 

  
La ninfa Cloros

- Flora recoge en su vestido las flores primaverales que brotan de la boca de la ninfa Cloros. 
  

Céfiro

- Dios del viento benigno representado con colores fríos mientras busca el amor de la ninfa

- sopla la dulce brisa que hace posible la primavera. 

  
Hay que mencionar que todas las figuras de esta obra se destacan por el contraste que ejercen con el fondo oscuro y la claridad de su piel y ropaje.

El ambiente de la obra esta situado en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médicis. En suelo es una capa de hierba muy oscura con flores típicamente toscanas.

El Cristo Pantocrátor

Pantocrátor siginifica todopoderoso y se refiere para referirse al Dios Padre omnipotente o a Cristo.

Este termino fue utilizado en la mitologia griega (Zeus), en la cultura Cristiana, en el arte bizantino y romanico.

La figura consta de una persona divina con la mano derecha levantada para comunicar bendicion y en su mano izquierda los Evangeliod o las Sagradas Escrituras.

Este Dios se exhibe habitualmente en dos lugares en las iglesias, estos son: en el exterior, en los timpanos de las portadas, esculpido en piedra; o en el inteior, pintado en las bóvedas.

Significados del Pantocrátor :

- Todopoderoso: formado por el prefijo pan (todo)  el verbo poder (acometer o realizar algo)

- Soberano de todo

- Sustentador del mundo

Significado de hieratismo

Significa rigidez, solemnidad y estatismo de cierto tipo de arte y de gestos.

En cuanto al arte, hieratismo es la rigidez y majestuosidad que se observa a simple vista en una escultura.

Significado de la severidad

Tiene dos significados. El primero se refiere a rigor o intolerancia con que se juzgan las faltas y debilidades de los demás o las propias; el Segundo significado viene a ser la exactitud y rigor en el incumplimiento de una ley, norma o regla.

La leyenda de Romulo y Remo

Dice la leyenda, que los fundadores de Roma fueron Rómulo y Remo, mellizos e hijos del dios de la guerra. Este dios, Marte, tenía problemas con los reyes y para salvar a sus hijos los arrojó al rio Tiber en una canasta.

Una loba llamada Luperca los encontró, acogió y amamantó, y se puede decir que fue como su madre adoptiva. Un poco después, los encontró un pastor y su mujer los crió. Al crecer, estos mellizos fundaron la ciudad donde la loba los había amamantado. 

La leyenda dice, que Romulo y Remo discutieron sobre el lugar donde iba a ser fundada la ciudad, y decidieron consultar el vuelo de las aves.
Romulo vio doce aves y Remo solo pudo observar la mitad. Entonces, Romulo para delimitar la ciudad, trazo un recuadro en lo alto de un monte y prometió que mataría a quien lo desobedeciera. Remo no le hizo caso y a Rómulo no le quedo otra opción que matarlo. Así, quedó como el único y primer Rey de Roma.